DANIELA ELBAHARA     ( Huichapan 1–1, Hipódromo, 06100, CDMX — Tuesday to Friday (By appointment only) – Press / appointments: danielaelbahara@gmail.com, @danielaelbahara )









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TRIPZITTER
Fabian Ramírez
4 de Septiembre - 10 de Nov 2021



Un ojo que mira a otro lado: tripzitter de Fabián Ramírez

I live on Earth at the present, and I don’t know what I am.
I know that I am not a category. I am not a thing — a noun.
I seem to be a verb, an evolutionary process-
an integral function of the universe
Buckminster Fuller

Una visión-acción que da materia a algo invisible dejando sedimentos, rastros y borrones de memoria. Un algo que manifiesta , un traslape, un ojo que mira a otro lado, pero atiende a la pintura como una base para entender y pensar cosas del mundo.  Este es el escenario, crudo y secreto de Fabián Ramírez.   Una deliberación anticipadora, un espacio invisible de todos los estados de ánimo, meditaciones y misterios, almacén infinito de frustraciones-descubrimientos.

Para Byung-Chul Han ocultar, retardar y distraer son también estrategias espacio-temporales de lo bello. El cálculo de lo semioculto genera un brillo seductor. Lo bello vacila a la hora de manifestarse. La distracción lo protege de un contacto directo. La distracción es esencial para lo erótico.  Pienso que la obra de Fabián está interesada en los fenómenos que erotizan al mundo, una estética del acontecimiento que descubre-encubre y los prolonga ininterrumpidamente en la fisura, la ruptura y el hueco.

El interés de Fabian Ramírez por la Psicodelia, neologismo que sugiere que un algo del alma se manifiesta, parece comprender que el fenómeno que se gestó en los años sesenta del siglo pasado tiene que ver con la producción de deseos que se esfuerza por descubrir lo aún no consciente.  Para Diedrich Diederichsen cada movimiento iluminista, crítico, de conceptos fuertes, avanza dejando tras de sí un rastro de baba de caracol de irracionalismo, poblado de imágenes.  Fabián parece insistir que su trabajo pictórico, dibujístico y cerámico tiene que ver con el rol de la experiencia y la duración de esas imágenes borrosas por el tiempo, el mercado y el consumo, pero alteradas para volcar su significado. Un modo de simbolización que da forma a la extrañeza del mundo en una extrañeza reconocible.

El título de la exposición que se presenta en la Galería Daniela Elbahara da cuenta de esta consciencia, al alterar Tripsitter (cuidador(e) del viaje) por tripzitter (“zittern”: temblar)el sentido o acción de acompañar y dirigir el viaje psicodélico se ve transformado por el escalofrío que representa el entrar al umbral de una consciencia otra: El vértigo de la disolución condensa las antípodas: allí se alternan la angustia de la caída y el placer de la auto expansión. La muerte de ese yo sustancial y continuo puede ser, a la vez, liberación respecto de la densidad acumulada en él. En lugar de la unidad del sujeto, la danza del devenir: Una obra orgánica y fluida que reivindica la subjetividad radical que hace magia nueva en el polvoroso mundo y hace que cada momento sea un punto de vista de todo el tiempo, y toda la rareza, gloria y energía de la vida en nuestros pies.












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"Aquí estoy, de nuevo en la carretera ... ahí voy, paso la página". - Bob Seger

Mario Zoots y Amber Cobb normalmente colaboran como “Hardly Soft”,  sin embargo, en esta ocasión se exhiben por primera vez juntos, pero  individualmente. El título de la exposición “Turn the Page” es figurativo así como literal. Metafóricamente, pasar la página invita a nuevas oportunidades de cambio y crecimiento, reconociendo la situación que uno deja atrás. La exposición busca "pasar página" después de un año de cambios incalculables debido a la pandemia global, una administración política cambiante y el examen discordante del racismo sistémico dentro del tejido social de los Estados Unidos.

En un sentido literal, el artista de collage Mario Zoots, crea sus composiciones usando revistas antiguas LIFE (en Español) y Arizona Highways, pasando las páginas de las publicaciones para revelar convincentes yuxtaposiciones. Examina la espiritualidad y el sentido de exploración en sus nuevas obras, buscando inspiración en el paisaje del suroeste. El trabajo también marca un cambio del collage en papel a la reciente exploración de Zoots con la seda.

La escultora Amber Cobb invita a un nuevo capítulo en su proceso a medida que pasa de usar materiales como silicona y colchones a usar yeso, arcilla epoxi y madera. El trabajo anterior de Cobb exploró temas de la sexualidad, mientras que sus trabajos recientes consideran las expresiones del cuerpo y recuerdan la incomodidad de la adolescencia y las trivialidades de una fisicalidad cambiante. Las esculturas semi-funcionales crean un lenguaje en abstracción con 26 formas de letras, similar al idioma inglés. Dentro de esta exposición en particular, las esculturas deletrean la palabra: ROLES, cuestionando nuestras responsabilidades individuales dentro de un estado de cambio a veces inarticulado. Por sí solas, las esculturas en colores pastel emplean el humor y el juego a través de la articulación física, con obras como Little Finger y Spurts. Si bien las esculturas se destacan por sí solas como obras de arte, también son funcionales como muebles y una llamada al cuerpo como hogar.

Turn the Page invita al espectador a la exploración de nuevas expresiones en un mundo cambiante, brindando la  oportunidad para el cambio tanto colectivo como individual dentro del paisaje que comenzamos a pavimentar a medida que salimos de un año de transiciones turbulentas.




FRUTOS
Ricardo González
17 de Abril al 5 de Junio 2021


En la segunda muestra individual de Ricardo González en la galería, presenta pinturas nuevas de escala grande y mediana, producidas en la ciudad de Nueva York donde vive y trabaja. Habiendo crecido en la Ciudad de México y residiendo en el barrio chino de la ciudad de Nueva York durante los últimos 20 años, las pinturas de Ricardo siempre transmiten el estado de ánimo y la actitud de la vida en una gran ciudad. En esta nueva colección de pinturas, el espectador ve figuras masculinas y femeninas solitarias de un tamaño más grande que la vida real. Sus representaciones de frutas así como la imagen de un gato negro siniestro adquieren una presencia animada. Sus pinturas son personales y están alimentadas por su entorno circundante.

Parecen estar pintados con una rapidez rítmica, dejando en el camino un rastro de temperamento y expresionismo. Las pinturas de Ricardo son temperamentales y están cargadas de narrativas ambiguas, que en lugar de apuntar a un significado específico, lo evaden y se abren a las posibilidades. Posibilidades para que el espectador se inserte y experimente las pinturas de manera visceral y a través del lenguaje de la pintura.

La mayoría de estas pinturas pasan por diversas transformaciones. El proceso es intuitivo y abierto a oportunidades, riesgos y cambios de planes, como la exploración guiada por pistas en la pintura. La gama de ideas que sirven como puntos de partida se puede derivar de un dibujo que se hizo a partir de una película, una parte de otra pintura o una improvisación basada en una composición o esquema de color. La imagen final no es una imagen preconcebida sino que se encuentra a través de la pintura. “Frutos”, el título de la muestra, sirve como referencia a este proceso.




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CORO MUDO DE NUBE Y CHARCO
Rodrigo Echeverría
20 Feb al 3 de Abril 2021

Alfonso Reyes se refiere al coro griego con estas palabras:

El coro funciona rítmicamente, como un instrumento dinámico por donde estalla […] la carga emocional precipitada en el fondo del ánimo […] Y por eso es fuerza que el coro esté presente a todos los acontecimientos y hasta a las revelaciones secretas: para conocer el drama y ponerse en contacto con él; para sentir, para emocionarse,
y desahogar […] la emoción […], la piedad, el terror.*

*Reyes, Alfonso, 1996. “Las tres «Electras» del teatro ateniense”, en Obras completas. T. 1: Cuestiones estéticas, Fondo de Cultura Económica, México, p. 30.

La pintura no nos habla con palabras, más bien nos comunica desde el origen de las ideas, que son las imágenes: es una comunicación directa. A través del ojo la imagen se transforma en pensamientos y emociones. La mirada descubre la profundidad de la existencia, que es primero muda, y luego —por necesidad de los pensamientos— engendra palabras. Un recién nacido llora después de dar su primer respiro, al ver la locura y deformidad del mundo. La adultez es la codificación de toda esa deformidad.

Las nubes se desintegran en lluvia, lluvia que crea charcos. En las nubes imaginamos formas y en los charcos vemos nuestro reflejo. Las nubes son el espejo de la imaginación; los charcos, el reflejo de nuestra perversión. Las pinturas son nube y charco. La libertad de la imaginación se encuentra en la nube; la esclavitud de nuestros problemas, en el charco. En la nube descansamos y en el charco preguntamos. La nube es el fenómeno, mientras que el charco refleja al fenómeno pensante: es una dinámica de lo interno y lo externo.

Todos somos una especie de héroes trágicos y lo que nos une es la manera fundamental de percibir lo que nos rodea. Percibimos el sol, la luz, la sombra y la materia, que luego son codificados con distintos nombres. Surgen las emociones y los sentimientos, para finalmente llegar a lo que concierne a todo ser humano: la moral y la ética.

La premisa de esta exhibición es que las obras mostradas componen un coro mudo de nubes y charcos, que invitan, a través de los personajes presentes en las pinturas, a ser parte del espectáculo de percibir la vida.

Rodrigo Echeverría, Ciudad de México, Febrero 2021


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2019
DIC 05 a 08 — NADA, Miami
NOV 08 a 10 — F-A-M-A, Monterrey
ABR 30 a SEP 01 – Trámite, Querétaro