Inés Bárcena es una artista mexicana autodidacta nacida en Monterrey, N.L. Su primer acercamiento a las artes fue a través de la práctica de su madre que es diseñadora de joyería. Bárcena comenzó a pintar a los 16 años inspirada por el surrealismo femenino, su abuela materna tenía una colección de piezas de dicho movimiento pictórico y una amistad con una de sus máximas representantes; Leonora Carrington. Así mismo, aprendió a pintar al óleo, en claroscuro y con grana cochinilla cuando fue aprendiz del pintor Gerardo de la Barrera en la ciudad de Oaxaca. Sus piezas parten de ilustraciones que visualizan mundos irreales y fantásticos provocados por sus introspecciones sobre sus relaciones familiares e interpersonales. Su propósito es redefinir su identidad pintando sucesos personales íntimos.

La obra de Bárcena traslada distintos planos de existencia para sanar los sucesos negativos y recordar la magia de la que procedemos.  Cada pieza es como un diario de su vida, y la sustrae con distintas formas de meditación y de ensueño, que le permiten componer imágenes surrealistas teniendo un pie en lo terrenal y el otro en lo astral. Es así como canaliza el poder de las coincidencias y haciendo que sus pinturas se consuman como la aventura de un personaje consentido en una buena novela, donde el espectador también forma parte del cuento.

• 2021 Exposición individual Plaza XO, Monterrey
• 2022 Exposición colectiva femenil “Magenta” para Armario 916 gallery 2022 Exposición colectiva “Homenaje al Surrealismo” Centro Cultural Plaza Fátima
• 2022 Exposición colectiva independiente “Brujotas” exhibition for Hotel Auténtico
• 2023 Exposición colectiva “Sueños” Centro Cultural Plaza Fátima
• 2023 Exposición colectiva “Anima” casa Galansboard
• 2023 Exposición colectiva «Casa Erosionada» Museo Anahuacalli Diego Rivera, CDMX

La obra de Mauricio Villarreal está poblada de seres etéreos que escapan a cualquier intención de sujetarlos. Sus cuerpos —algunas veces discernibles, y otras veces apenas insinuados— están formados por el mismo elemento que los recuerdos y los sueños. Se trata de un manto translúcido que se puede atravesar y tocar, pero no atrapar, como una voluta de humo o el vapor que queda después de una ducha caliente. Estos personajes son autorretratos en diferentes tiempos y perspectivas de la vida del artista, pues se originan de experiencias y de la exploración del subconsciente. Además, los personajes representan arquetipos de condiciones sociales, comportamientos humanos y temores comunes.

Para Villarreal, el arte posee un potencial de sanación emocional. La pintura funciona como un umbral de acceso a una realidad espiritual que se manifiesta en la memoria, los deseos y el estado anímico tanto del creador como del espectador que encuentra un vínculo de empatía en la obra.

Estudió arquitectura en el TEC por dos años, después comenzó a pintar. Ingresó a la carrera de arquitectura en California College of the Arts en San Francisco, e hizo un transfer a licenciatura en artes en la UDEM. Aunado a su práctica, Villarreal pinta, hace fotografía análoga, perfumería, cerámica , piezas escultóricas y ropa.

Ha participado en cuatro exposiciones colectivas en Monterrey, una de ellas en el 2016 en el Museo del Centenario, en el 2017 en el Museo Metropolitano y n el espacio estudio Marcelo Galán y en la exposición colectiva “Casa Erosionada” del Museo Anahuacalli de Diego Rivera Agosto – Octubre 2023. Ha participado en Salón Cosa MTY.  Y ha hecho tres expos individuales; Espacio sin nombre,  Monterrey en el 2020, otra en CHUCH, en Mérida, y la última “Piel que llora”  en Galería Daniela Elbahara en el 2022.

Helena Garza es una artista de Tlaxcala, México, con formación en música clásica y artes visuales. Su enfoque principal es la pintura. En los últimos años ha experimentado con diversas tecnologías y softwares. Su proceso creativo fusiona el live coding, la realidad virtual, la biotecnología y las prácticas performativas, mismas que le han permitido darse a conocer con diferentes públicos. Su obra se inspira en la estética del vaporwave, el cyberpunk y las teorías científicas y filosóficas sobre la post humanidad y la percepción de la realidad, Helena propone un espacio/entidad que se encuentra en la frontera entre lo abstracto y figurativo, al que ella denomina «meta figurativo». Ha sido seleccionada en varios certámenes nacionales e internacionales cómo: XIX Bienal Tamayo, Encuentro Nacional de Arte Joven; Currents New Media; Premio de Artes Visuales de Tlaxcala; Bienal de Yucatán, entre otros.

• 2022 “Screen Strokes” curada por Paty Siller, Pequod Co., CDMX
• 2022 Arte Vivo, JUMEX MUSEUM, CDMX.
• 2022 Hors Champ, PDP Gallery, Paris.
• 2022 In Balance, Heron Arts, San Francisco, CA.
• 2021 Sonar, +D program, Hong Kong.
• 2021 Crossing Lines, PDP Gallery, Paris/Los Angeles.
• 2021 Visiones Femeninas, De Kooning Studio, Broadway, New York.
• 2018 Juxtapoz Club House, Miami, Austin and Denver.
• 2018 “Cinco espacios cinco pisos”, curated by KRSTO, CDMX.
• 2018 “Se vienen las lluvias suaves”, 10th Anniversary Digital Culture Center, CDMX.
• 2018 “Pensar en el presente”, Tlaxcala Art Museum, MAT, Tlaxcala.

• 2019 F-A-M-A, Monterrey, Nuevo León
• 2022 Swab, Procedure, Barcelona,
• 2022 Material, Janet 40, CDMX

• 2023 “Woman is Art, Hotel Me Cabo, Los Cabos, B.C.S
• 2021 Hotel El Ganso, Los Cabos B.C.S.

Ricardo González utiliza una paleta de color limitada, marcas simplificadas y un sentido del humor para explorar el lenguaje de la pintura y el dibujo expresionista. Su trabajo se basa en dibujos automáticos, garabatos en muros que pueblan su entorno en Ciudad de México y Nueva York. Celebra la recurrencia de Art Brut a través de artistas como Jean Dubuffet, Karel Appel y A.R. Penck. Su rápido dibujo maníaco sugiere un garabato infantil intuitivo. Figuras fragmentadas con muecas y sonrisas frecuentan el trabajo de González invocando a un personaje demasiado familiar que está profundamente arraigado en nuestro inconsciente colectivo, una especie de salvaje lleno de energía desinhibida que se puede encontrar fácilmente en la expresión temprana del rock and roll o el blues. Las pinturas rebotan entre lo sublime y lo nihilista, creando un diálogo tácito entre los dibujos animados satíricos y el evocador gesto pictórico.

González convierte los garabatos aparentemente superficiales en significantes de forma pura, medio y proceso, lo que los impulsa al lenguaje del arte. (Texto de Asya Geisberg Gallery)

Ricardo González nació en la Ciudad de México y vive y trabaja en Nueva York. Recibió un MFA de la Universidad de Nueva York y su BFA en la New England School of Art & Design, Boston, MA y Madrid, España. Ha expuesto en numerosos lugares en Nueva York, NY, Boston, MA, Miami, FL, Berlín, México y Bélgica.

• UNTITLED. Miami, Galería Talcual, Ciudad de México
• Traneudstillingen, Copenhague, Dinamarca
• Galería W, Santiago, Chile

• Martin Wong Scholarship Award en pintura

• Wall Street Journal
• Time Out New York
• Art F City
• Pas un Autre

Hugo Robledo produce obra pictórica y de sitio específico. Mientras que su trabajo es principalmente bidimensional, también ha experimentado con escultura e instalación. La arquitectura, el entorno construido y los objetos fabricados han sido, desde hace tiempo, la fascinación del artista. Su serie más reciente explora la representación visual de la arquitectura del Movimiento Moderno en México y en otras partes de Latinoamérica. Este trabajo está inspirado en una revisión crítica de los atributos racionalistas de algunas de las vanguardias tardías. La obra abre varias preguntas acerca de la naturaleza abstracta de los espacios arquitectónicos, las cualidades de superficie y materia ofrecidas por el soporte pictórico y la pintura como representación o como objeto. El cuerpo de obra busca crear un vínculo entre el formalismo pictórico y los modelos ideológicos que formaron la realidad sociopolítica actual.

Robledo estudió Artes Visuales en la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM. En 2012 realizó una estancia académica en el Instituto de Artes de la Universidad Estatal de São Paulo. Su primera exposición individual titulada “Jardín de Estratos” se presentó en 2017 en el Foro R-38 de la Universidad del Claustro de Sor Juana (Ciudad de México). Ha sido acreedor en dos ocasiones al estímulo de Jóvenes Creadores del FONCA en 2017 y 2019. Ha participado en residencias de producción en Fazenda Serrinha (Bragança Paulista, Brasil) en 2012 y en Cobertizo (Jilotepec, México) en 2020.